Es un arquitecto canadiense asentado en Estados Unidos, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña.
miércoles, 9 de diciembre de 2015
Santiago Calatrava
(Santiago Calatrava Valls; Benimamet, Valencia, 1951) Arquitecto español. Considerado como uno de los arquitectos más creativos del momento, los diseños de Calatrava se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras.
Museo de San Carlos
Fue levantado a principios del siglo XIX y fue también residencia de los condes de Pérez Gálvez y de los de Regla; estos últimos poseían, en el interior conjunto, una increíble colección de animales disecados,
Este museo, se atribuye al célebre arquitecto valencianoManuel Tolsá, autor entre otras obras del Palacio de Minería y de la popular estatua ecuestre de Carlos IV conocida como "El Caballito" (que actualmente se aprecia justo en medio de la armoniosa plaza que antecede al portentoso edificio que aloja al MUNAL).
Posteriormente se pensó destinarlo para que el Comité Olímpico Mexicano estableciera ahí su sede, sin embargo, finalmente, empezó a funcionar como museo a partir de 1968. En la actualidad, San Carlos exhibe una vasta colección de piezas (pinturas y esculturas) de la escuela europea de los siglos XV al XIX, obras procedentes de la antigua academia y pinturas de la maravillosa colección Franz Mayer. Entre los artistas más renombrados que muestran sus trabajos al público en este recinton están: Tintoretto, Zurbarán, Ingres, Ribera y Tiziano, entre otros. ¡No puedes dejar de admirar su valiosa obra!
Museo Guggenheim Bilbao
El Museo Guggenheim Bilbao (en euskera, Guggenheim Bilbao Museoa; en inglés, Guggenheim Museum Bilbao) es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry, y localizado en Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos pertenecientes a la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España.
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Fotografía
La imagen 1839 Europa había invertido en el campo de as artes, imágenes impresa por un objeto o maquina que pueden competir con la realidad y vive entre el arte y tecnología (conjunto)
Talbot, imprime el negativo sobre una hoja en lugar de una placa, la impresión menos costosa, pero carece de la nitidez, como una impresión tecnológica de la imagen, talbot, utiliza su invento para paisajes urbanos, exóticos, paisajes muertos, primeras escenas de landres y vende sus imágenes como albumnes donde empieza la idea de fotografías de la propia ciudad, foto testimonio de una época, donde la foto se separa del arte, ya que al principio se conformaba con ser una colección histórica de arquitecturas y retratos.
Foto actuada, el fotógrafo la va a diseñar como si fuera una composición pictórica, llena de dramatismo y realismo, creando una imagen fotográfica, pretendiendo crear un lenguaje propio que lo separe de la arquitectura, pintura y escultura, en riqueza la mirada del pintor, ya que le da mas realismo, amplitud.
La fotografía le va a permitir a los pintores impresionistas indagar en una nueva forma de visión y lenguaje del siglo XIX. Obtienen las ventajas de la nueva tecnología logrando las formas y texturas, con la espontaneidad de la forma.
Gaspard-Félix Tournachon (1820-1910), más conocido como Nadar, es un fotógrafo de esa época, Nadar propio retrato dramático y elocuente, fue el primero en usar la fotografiar de captar París desde el cielo, dedicándose al retrato de una forma genial, retratando, Victor Hugo, le permiten tomar una foto de la muerte de Victor Hugo, foto dramática al momento, el fotógrafo esta detrás del objeto y lo va a captar como en realidad es a través del objeto.
La fotografía tiene la magia de captar el tiempo presente y en ese momento de ser captada en el presente es tiempo pasado y ese tiempo pasado solo se puede observar en el tiempo futuro
En USA se da otro tipo de fotografías, se crea una mirada que pretende captar los momentos mas importantes del tiempo presente inventado al corresponsal de guerra, en la guerra civil de USA forma de llevar registro de la guerra civil y fotografiar a los héroes de esa guerra inmortalizando,logrando salvar de la fosa de los desconocidos los rostros de los mas queridos, mantiene una memoria viva en ese formato.
la imagen tomada en fotografía de la imagen de una batalla apreciando al ejercito mexicano, prisionero, momento en que amputan la pierna a una persona herida, la cámara es utilizada como un instrumento de captar imágenes de guerra, primeros daguerrotipos (cámara oscura con un lente que nos da una imagen de los real, con gelatina de plata y mercurio, no se puede imprimir dos veces, sino que son originales.
Imprimiendo en una película sensible a la luz, nace la fotografía de aficionado, kodak camera, apriete el botón, nosotros hacemos el resto, de kodak camera, el usuario enriquece su propia fotografía.
Es un arte aparte, pero puede ser un instrumento valioso en el arte, permite que la pintura sea mejor, pintura mas detallista, realista, se apoya de la imagen fotográfica para crear imágenes mas veraces y contundentes.
Alfred Stieglitz (1 de enero de 1864 – 13 de julio de 1946) fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán. Durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Para conseguir este objetivo empezó explorando dentro del campo de la fotografía capacidades propias de la pintura (composición, texturas) para después recurrir a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico).
Lewis Wickes Hine, (Wisconsin, 26 de septiembre de 1874-Nueva York, 1940) fue un fotógrafo estadounidense. Muy apegado a la fotografía social, mientras los otros fotógrafos se inspiraban de la temática del paisaje o de la ciudad, este fotógrafo se inspiraba en tomar imágenes de lo que era el resultado que nadie quería ver de la revoluciones industriales, que era la pérdida de la niñez de una generación completa.
Dorothea Lange (Hoboken, 26 de mayo de 1895 - San Francisco, 11 de octubre de 1965) fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria. Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial.
Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.
Arbus experimentó desórdenes emocionales y episodios depresivos durante su vida similares a los que experimentó su madre, pudiendo haber sido empeorados éstos por la hepatitis. En 1968, Arbus escribió "yo subo y bajo mucho," y su marido notó que ella sufría cambios emocionales violentos. El 26 de julio de 1971, mientras vivía en la Westbeth Artists Community, en la ciudad de Nueva York, Arbus terminó con su vida al ingerir barbitúricos y cortarse las venas. Fue hallada por Marvin Israel dos días después. Tenía 48 años.
Weegee es el seudónimo de Arthur H. Fellig (12 de junio de 1899 – 26 de diciembre de 1968), un fotógrafo y reportero gráfico ucraniano conocido por sus descarnadas fotografías en blanco y negro, fue el primero en utilizar la fotografía amarillista.
visita al MUNAL
En la primera visita al museo del MUNAL se pudieron observar muchas obras de arte, ya que la visita duro aproximadamente tres horas, se pudieron observar las obras que están fijas en el museo y otras obras que solo están limitadas, como las obras de José María Velazco.
Esta visita nos sirvió mucho para darnos cuenta que tipo de arte estaba haciendo en México, donde el arte de los artistas mexicanos es comparable y debatible con las técnicas del los mejores artistas del mundo.
Pablo Picasso (Vanguardias-Cubismo)
Pablo Ruiz Picasso (Málaga , 25 de octubre de 1881 fue un fascinante pintor y escultor español creador de la corriente artística "cubismo" .
Es considerado desde el siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos sobresaliendo a muy temprana edad a eso de sus16 años, este gran pinto logro influenciar a otros grandes artistas de su tiempo. Pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo.
Si bien a Pablo Picasso se le conoce por ser el estandarte del cubismo antes de llegar a ello empezó con una serie de experimentaciones en otras corrientes de la pintura un ejemplo seria su incursión en el expresionismo.
Podemos decir que en el arte no hay casos de locos que se vuelven famosos detrás de la pintura hay mucha experimentación y estudio combinación de lineas y de paletas de color.
Es considerado desde el siglo XX como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos sobresaliendo a muy temprana edad a eso de sus16 años, este gran pinto logro influenciar a otros grandes artistas de su tiempo. Pintó más de dos mil obras, presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo.
Si bien a Pablo Picasso se le conoce por ser el estandarte del cubismo antes de llegar a ello empezó con una serie de experimentaciones en otras corrientes de la pintura un ejemplo seria su incursión en el expresionismo.
Podemos decir que en el arte no hay casos de locos que se vuelven famosos detrás de la pintura hay mucha experimentación y estudio combinación de lineas y de paletas de color.
Pablo Picasso, cubista (Español, 1883--‐1971) Les Demoiselles d’Avignon, 1907 Oil on Canvas (244x234cm) Museum of Modern Art, NY
Se considera como su tercera etapa de picacso las mascaras africanas talladas en madera en ellas explora un rostro a partir de la composición, empieza a jugar con las acuarelas " Picasso con las señoritas de avignon" tiene el nuevo espíritu moderno.
Esta pintura tiene toda esa fuerza cubista Picasso crea un parte aguas con este estilo de pintura rompiendo totalmente con el realismo.
Los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva.
Arquitectura Clasica
La arquitectura clásica nos hace referencia a la arquitectura de Grecia y es conocida mayormente por sus templos que si bien la mayoría de estos templos ya son ruinas los pocos que quedan en pie nos permiten apreciar la belleza en su arquitectura se distingue por su características altamente formalizadas tanto en su estructura como en su decoración.
Para los templo su concepción se pensó en un todo que formaba parte ya del paisaje estos mayormente se colocaban en lugares altos para que se pudieran apreciar con las detalle sus proporciones y como le permitía a la luz jugar con sus formas y descartar la belleza misma de la estructura, se trabajaban en materiales como pueden se: la madera esta se utilizaba para los soportes y el techo, la piedra caliza y el mármol para las columnas, muros y proporciones altas de la construcción, la terracota para ornamentos y el bronce para objetos puramente decorativos.
En lo personal la arquitectura clásica es un monumento a la belleza, elegancia y la fuerza ya que cada parte de esta arquitectura nos muestra cierta perfección y cimetria pero que innegablemente en su conjunto es simplemente un todo de provoca la admiración por la época y sin duda nos celda claro el grado de la técnica que utilizaban en la época.
Un increible cortometaje del artistsa Akira Kurosawa donde nos muestra a través de sus ojos el arte del pintor Vincent van Gogh y porque lo llevo a cortare la oreja, en el cortometraje nos explica que fue porque en un autorretrato se le olvido pintar su oreja así que para que quedara igual tomo la decisión de cortare la oreja, el cortometraje es increíble ya que vemos como va dando un recorrido adentro de las pinturas mas famosas de van Gogh para culminar en el increíble cuadro de e Campo de trigo con cuervos (julio de 1890).
Édouard Manet y Francisco de Goya
Édouard Manet (23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo
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Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español
Venus y Adonis, Tiziano
Esta obra fue famosa, desde su primera exhibición, por el erotismo que expresa. Su principal singularidad radica en la actitud y postura de Venus: en lugar de una beldad pasiva que simplemente se deja seducir, aquí ella toma la iniciativa al intentar retener a Adonis. Además, la vemos de espaldas, con sus pompas totalmente visibles. Esta parte de la anatomía femenina tenía en aquella época una gran connotación erótica.
Venus del espejo Diego Velázquez
Cambio de talla con respecto a las otras pinturas de venus, donde el reflejo del espejo nos da una idea del impresionismo, aunque la puntura en general es barroca. Ya que no se queda desde la perspectiva lineal, ademas nos da color y luz desde un sentido que los colores se funden unos con otros, los contornos no se destacan y los detalles son sugeridos pero no descritos.
La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer.
La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer.
Paseo de la Reforma
El paseo se la Reforma se ha convertido en un icono e la ciudad es más que solo una avenida principal es un camino por la historia misma de nuestro país, son la muestra de algunas etapas que marcaron nuestra historia, podemos decir que la ciudad se fue adaptando a ella con muchos cambios idas y venidas a cambias esperados y muchos inesperados, caminar sobre ella es mas que simplemente trasladarse es darte cuenta de cada momento cada idea y sentimiento que en algún momento imperaba en nuestra ciudad porque podrá cambiar de nombre pero como dice la canción eso no cambia la historia.
El dos de mayo o La carga de los mamelucos,
Hablamos del arte mismo de Goya que plasma con toda la crudeza y realismo este pasaje de la historia ocurrido el 2 de mayo pero no hay mejor ejemplo del dramatismo y crueldad que en aquellos tiempos se estaba viviendo que el cuadro del 2 de mayo donde vemos la crueldad del hombre por el hombre donde se puede decir que los instintos mas bajos salen a relucir donde ya no hay respeto por la vida misma y que no queda mas que el dolor y el sufrimiento mismo, la compasión es echada a un lado ahí pequeña y temerosa por su existencia misma.
Esta pintura significa mucho, ya que esta nos habla acerca de como fue la independencia de España en 1814 frente al imperio napoleónico, con una vista hacia el enfoque de la patria (patriotismo), ya que la historia de dicha guerra nos menciona que el día dos de Mayo el pueblo español atacó al invasor que eran los mamelucos (ejercito Africano que se unió con napoleón), esta pintura renacentista me produce ver la violencia y el sentimiento de nacionalismo que se da al pueblo español, recordando que deben de defender a su patria frente a otras naciones, ademas que viendo el contexto histórico y social de España (que estaba en plena crisis) nos dice que el pueblo frances puede con cualquier ejército incluyendo el de napoleón (que era el mejor de su época).
Esta pintura significa mucho, ya que esta nos habla acerca de como fue la independencia de España en 1814 frente al imperio napoleónico, con una vista hacia el enfoque de la patria (patriotismo), ya que la historia de dicha guerra nos menciona que el día dos de Mayo el pueblo español atacó al invasor que eran los mamelucos (ejercito Africano que se unió con napoleón), esta pintura renacentista me produce ver la violencia y el sentimiento de nacionalismo que se da al pueblo español, recordando que deben de defender a su patria frente a otras naciones, ademas que viendo el contexto histórico y social de España (que estaba en plena crisis) nos dice que el pueblo frances puede con cualquier ejército incluyendo el de napoleón (que era el mejor de su época).
Joshua reynolds
Joshua Reynolds, Royal Academy, Royal Society, FRSA (16 de julio de 1723 – 23 de febrero de 1792), fue uno de los más importantes e influyentes pintores ingleses del siglo XVIII, especialista en retratos y promotor del "Gran estilo" en pintura que dependía de la idealización de lo imperfecto. Fue uno de los fundadores y el primer Presidente de la Royal Academy. El rey Jorge III apreció sus méritos y lo nombró caballero en 1769.
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Sandro Botticelli, el nacimiento de venus
Se podría decir que es la primera Venus de muchas que se van a hacer alrededor de los años, donde el estilo renacentista empieza a nacer y juntar con la mitología griega y romana. Una obra tratando de ser natural.
Una cosa curiosa de la pintura es el cuello de Venus, donde no parece estar proporcionado y paralelo al cuerpo y la cara de la misma Venus, ademas que la pintura nos intenta dar una referencia del pudor que se vivía en esa época.
La modelo fue Simoneta Vespucio, que era una mujer muy bella y deseable en su tiempo.
Una cosa curiosa de la pintura es el cuello de Venus, donde no parece estar proporcionado y paralelo al cuerpo y la cara de la misma Venus, ademas que la pintura nos intenta dar una referencia del pudor que se vivía en esa época.
La modelo fue Simoneta Vespucio, que era una mujer muy bella y deseable en su tiempo.
Análisis Político de Mexico siglo XIX
Mientras que en Estados Unidos rompe con los lazos y herencias europeas, en su constitución es completamente laica todo lo contrario sucede en México nuestra herencia cultural Europea nos recalca mucho la cuestión religiosa. E.U. siendo un país de colonos hartos de las monarquías decadentes rompen con todas las tradiciones y apuestan por lo nuevo en contra parte México esta fundado por una mezcla de culturas y tradiciones y una muy marcada y predominante religión la Católica, Apostólica y Romana.
Constitución de los Estados Unidos de América:
"NOSOTROS, el Pueblo de los Estados Unidos, a fin de formar una Unión más perfecta, establecer Justicia, asegurar la tranquilidad interior, proveer para la defensa común, promover el bienestar general y asegurar para nosotros y para nuestra prosperidad los beneficios de la Libertad, establecemos y sancionamos esta Constitución para los Estados Unidos de América. "
Constitución de los Estados Unidos Mexicanos:
"En el nombre de dios todo poderoso, autor supremo legislador de la sociedad: El congreso general constituyente de la nación Mexicana, en desempeño de los deberes que le han impuesto sus comitentes para fijar su independencia política, establecer y afirmar su libertad y promover su prosperidad y gloria."
En el aspecto cultural se funda la Academia de San Carlos y un importante arquitecto de la Academia es Manuel de Tolsá.
Definición de Diseño ~El Palacio de Minería - Manuel de Tolsá
Definición de Diseño
El Diseño se define como la capacidad creativa inherente al ser humano que a partir de un boceto se logre la creación de un objeto para la solución de una necesidad.
EL PALACIO DE MINERÍA
El Palacio de Minería de la Ciudad de México es una de las obras maestras de la arquitectura neoclásica en América. Fue diseñado y construido entre 1797 y 1813 por el escultor y arquitecto español valenciano Manuel Tolsá, como sede del Real Seminario de Minería y Real Tribunal de Minería y a petición de su director, el conocido minerólogo Fausto Delhuyar. Posteriormente albergó a otras instituciones como la Universidad Nacional, la Escuela de Ingenieros, el Colegio de Minas y el Instituto de Física de la Universidad Nacional Autónoma de México. En la actualidad es un museo que pertenece a la Facultad de Ingeniería de la UNAM. Se ubica en la calle de Tacuba frente a la Plaza Manuel Tolsá y frente a la estatua ecuestre de Carlos IV de España esculpida también por Tolsá.
El Palacio de Minería, obra maestra del citado arquitecto, está considerado como el mejor exponente de la arquitectura neoclásica en México y como uno de los mejores ejemplos de esta corriente arquitectónica en el continente americano
MANUEL TOLSÁ (1757-1816)
Una de las grandes figuras del arte en el México de la Colonia, Tolsá nació en la villa de Elguera, Valencia, España y murió en la Ciudad de México. Estudió arquitectura y escultura en las reales academias de San Carlos de Valencia y de San Fernando de Madrid. En España fue escultor de cámara del rey, ministro de la Suprema Junta de Comercio, Minas, y académico de mérito de San Fernando.
Nombrado director de Escultura de la Academia de San Carlos, recién creada en la ciudad de México, salió de Cádiz en febrero de 1791. Con él mandó el rey una colección de réplicas, vaciadas en yeso, de las esculturas del Museo Vaticano. En el puerto de Veracruz contrajo matrimonio con María Luisa de Sanz Téllez Girón y Espinosa de los Monteros. Establecido en la capital de la Nueva España, abrió una casa de baños y formó una sociedad para la instalación de una fábrica de coches. El Ayuntamiento le encargó varias tareas, que el arquitecto realizó sin recibir remuneración alguna, entre ellas el reconocimiento del desagüe del valle de México, la nueva introducción de aguas potables, los baños del Peñón y las nuevas plantas de la Alameda, el Real Seminario y el Coliseo.
martes, 6 de octubre de 2015
Dialogo abierto San Carlos/La esmeralda
El arte en México es parecido al mexicano, una paradoja, es bastante importante para la creación de la identidad nacional y por otro lado es olvidado en un rincón de la mente colectiva de la sociedad, esto puede ser por varias razones, ya que el individuo es a final de cuentas el que decide a que sombra arrimarse, pero una teoría bastante extendida es la de el "elitismo", osea en palabras sencillas: Las personas no se acercan al arte por que este parece pomposo, presuntuoso y en ocasiones falso. Esto choca con la personalidad abierta, sincera, alegre y festiva que (según) tiene el mexicano haciendo que el arte y la persona "común" parezcan polos opuestos.
Para mi, sinceramente, todo lo anterior suena a una justificación bastante rebuscada para decir que el mexicano es flojo, me incluyo, por eso lo entiendo, somos flojos cuando se trata de entender, ya que el arte ademas de provocar emociones, habla, pero no entendemos lo que dice, por que no comprendemos su idioma, esa es (pienso) la razón verdadera por la que el arte no llega a las clases populares, es mas fácil entender el idioma del chiste barato y repetido hasta el hartazgo, el lenguaje de la tele, lleno de vulgaridad; que hacer el esfuerzo de adentrarse en la mente propia para intentar comprender la mente del artista.
El dialogo entre San Carlos y La Esmeralda justifica lo anterior, a pesar de que había tanto por ver, apreciar, sentir y comprender, la gran mayoría de los asistentes se centraron en la comida gratis, sin ser esto una acusación o critica, ya que eso fue lo que paso.
A pesar de todo esto que suena a fatalismo y a una condena eterna a la ignorancia de toda la sociedad mexicana, siempre hay una luz de "esperanza" por que, no olvidemos, que sea como sea, por la razón que cada uno tuviera, las personas asistieron a esta bella muestra de sentimientos y técnica plasmadas en un lienzo.
Aun queda mucho camino por recorrer para llevar al arte en México al lugar que se merece, pero me da ánimos e inspira el saber que hay muchas personas dedicadas a lograr este objetivo.
A continuación voy a mostrar algunas obras y la sensación que me produjeron , no puedo hablar de la técnica por que soy ignorante en el tema
Para mi, sinceramente, todo lo anterior suena a una justificación bastante rebuscada para decir que el mexicano es flojo, me incluyo, por eso lo entiendo, somos flojos cuando se trata de entender, ya que el arte ademas de provocar emociones, habla, pero no entendemos lo que dice, por que no comprendemos su idioma, esa es (pienso) la razón verdadera por la que el arte no llega a las clases populares, es mas fácil entender el idioma del chiste barato y repetido hasta el hartazgo, el lenguaje de la tele, lleno de vulgaridad; que hacer el esfuerzo de adentrarse en la mente propia para intentar comprender la mente del artista.
El dialogo entre San Carlos y La Esmeralda justifica lo anterior, a pesar de que había tanto por ver, apreciar, sentir y comprender, la gran mayoría de los asistentes se centraron en la comida gratis, sin ser esto una acusación o critica, ya que eso fue lo que paso.
A pesar de todo esto que suena a fatalismo y a una condena eterna a la ignorancia de toda la sociedad mexicana, siempre hay una luz de "esperanza" por que, no olvidemos, que sea como sea, por la razón que cada uno tuviera, las personas asistieron a esta bella muestra de sentimientos y técnica plasmadas en un lienzo.
Aun queda mucho camino por recorrer para llevar al arte en México al lugar que se merece, pero me da ánimos e inspira el saber que hay muchas personas dedicadas a lograr este objetivo.
A continuación voy a mostrar algunas obras y la sensación que me produjeron , no puedo hablar de la técnica por que soy ignorante en el tema
MAPA INTERIOR
Como su nombre lo dice, este cuadro me hizo penar en como la mente jamas esta quieta, a veces dañándonos, a veces bendiciéndonos
NARCO MANTAS 3
Un cuadro que impacta, por la sencillez del mensaje y la profundidad del tema que trata, "salgan a la calle" cubierto de sangre, la inconformidad callada con violencia, es triste vernos reflejados y vernos como seres sumisos
19 DE SEPTIEMBRE
La perspectiva de este cuadro hace que uno se sienta como si estuviera cayendo en un abismo, me recordó a un adicto luchando contra su adicción
Me he dado cuenta que me gustan los cuadros con colores y temas que evocan tristeza y nostalgia, creo que tienen un aire de elegancia, ademas de que a pesar de ser tristes me recuerdan al hogar, me recuerdan a esa sensación que te da cuando llegas a casa después de una tarde lluviosa y te metes a la cama a leer en silencio
jueves, 1 de octubre de 2015
clase conceptos investigar
eje político, estético y religioso envuelven al arte del siglo XIX
El papel del arte y el diseño en la construcción de una identidad nacional
Neoclasicismo mexicano
pintura mexicana del siglo xix mas importantes Juan Cordero, academia san carlos xix
El papel del arte y el diseño en la construcción de una identidad nacional
Neoclasicismo mexicano
pintura mexicana del siglo xix mas importantes Juan Cordero, academia san carlos xix
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